Laura Bautista Jimenez
viernes, 11 de abril de 2014
lunes, 31 de marzo de 2014
Localización:
Autor: Murillo
Fecha: 1660 h
.Museo: Museo del Prado
Características: 123 x 101 cm.
Estilo: Barroco Español
Material: Oleo sobre lienzo
Análisis y caracteres:
Murillo domina con gran maestría la anatomía y expresión de los niños, creando numerosas obras con temas infantiles.
En este caso la paz y serenidad que transmite la expresión del niño con el cordero es la consecuencia de la intención del pintor de transmitir el gozo que proporciona al creyente su devoción. La imagen representa al niño Jesús como buen Pastor que cuida de sus ovejas. Podemos ver al niño Jesús situado en un paisaje con una referencia arquitectónica al fondo, sentado y dirigiendo su mirada hacia el espectador. En la mano izquierda acaricia al cordero y en la mano derecha lleva la vara del pastor. El cordero dirige también la mirada hacia nosotros como el niño.
Su estructura está compuesta con una pirámide característica del Renacimiento mientras que la vara y la pierna se ubica en diagonal como podemos ver una característica de esta época. La atmósfera esta creada gracias a la iluminación y el colorido que nos recuerda a la escuela veneciana.
Técnica:
La pincelada es desecha y suelta. Los contornos son difuminados por el efecto de la luz empleada. La gama de colores que más se utilizan es la de los colores fríos, que cada vez se van haciendo más transparentes. El color tiene mucha importancia en la composición (influencia de Rubens) . La luz es de tipo natural, de procedencia ambiental, clara y serena, va asociada al color.
Símbolos:
El rostro del Niño es muy bello y de encanto natural, un rostro que resulta muy cercano y cariñoso. La función de la composición es didáctica, para que la sociedad conozca el evangelio; el autor consiguió sus objetivos por que sus representaciones religiosas fueron muy apreciadas a nivel popular y eclesiástico. Esta compuesta en el estilo Barroco Español, de tema religioso. Donde se compara al Cristo con el Buen Pastor que da su vida por sus ovejas.
Contexto:
Su autor es Bartolomé Murillo, pintor sevillano que desarrolló su actividad en su ciudad, que renuncia a ir a la Corte a Madrid. Sus principales obras fueron hechas para las hermandades sevillanas. Era un gran devoto, al que la vida le golpeó severamente por que perdió muchos hijos, pero a cambio gozó de gran popularidad como pintor. Sus obras se conservan hoy en día muchos museos, iglesias y conventos, aparte de sus muchísimas reproducciones por imprenta en hogares populares. Su etapa artística se divide en tres fases: periodo frío (Sagrada Familia del pajarito. 1.649); periodo cálido ( S. Antonio de Padua y el Niño Jesús. 1696) y periodo vaporoso en que se encuadra entre otras la obra comentada de Buen Pastor.
El siglo XVII en España es un siglo de crisis, por que ya no llega el oro y la plata de América. El gobierno lo ejercen los monarca de la dinastía de los Austrías ( Carlos IV), que delega la tarea de gobernar en el Conde Duque de Olivares; la sociedad es estamental y quienes peor lo pasan son las clases populares, que sufren hambruna y miseria. Destaca como ciudad importante, aparte de Madrid, Sevilla, cuyo puerto la convierte en un gran mercado de arte y de exportación e importación de productos de America.
Antecedentes: -------
Consecuentes: Niños comiendo empanada, de Murillo.
Trabajo realizado por: Marina Tarragona Ruiz
1: Tipo de arte:
(Arte mayor),Escultura.
2: Localización:
-Título:Piedad
-Autor: Gregorio Fernández
-Estilo y Escuela: La escuela castellana
-Donde se encuentra: Museo Nacional de Escultura Policromada, Valladolid
-Cronología: 1616-1617
-Material y técnica Madera policromada:
3: Análisis, caracteres y técnica:
La Piedad es una obra realizada en 1616 por Gregorio Fernández por encargo de la Cofradía de Ntra. Sra. de las Angustias de Valladolid para sustituir a un viejo paso de "papelón" (paso de pequeñas dimensiones, de madera policromada en la cabeza y las manos, y de tela y cartón encolado para el resto de la composición),esta talla, claramente barroca, está realizada en madera policromada, el material tradicionalmente usado en España
El cuerpo de Cristo forma una diagonal que proporciona asimetría al conjunto; se rompe el esquema piramidal que había impuesto Miguel Ángel en la Piedad del Vaticano. El tratamiento realista del desnudo indica un momento de madurez en la escultura de Fernández.
4:Interpretación:
La Virgen María, que acaba de recibir el cuerpo muerto de su Hijo, eleva el brazo derecho en señal de dolor. Es un ademán de angustia y soledad que contrasta con la serenidad del cuerpo inerte de su Hijo, al que sostiene apoyando la mano izquierda fuertemente sobre Cristo. Pero también es una actitud de petición de ayuda, de comprensión, de compasión (estado emocional en que se sufre-con), que busca del espectador que contemplaba esta escena mientras el paso procesional pasaba por la calle delante de sus ojos.
5: Antecedentes:
Pintura flamenca del s.XV, en cuanto a la amplitud de ropajes con amplios pliegues duros, rígidos y acartonados.
6: Consecuentes:
Juan Pedro Guerrero Pretel 2ºBTO C
La Inmaculada de Alonso Cano
La Inmaculada
Julio Antonio Padial Delgado
2ºBachillerato C
Obra: Inmaculada de la Catedral de
Granada
Autor: Alonso Cano de Almansa
(1601-1667)
Fecha: 1655-1656
Estilo: Barroco
Técnica: Madera de cedro policromada
.
Esta pequeña escultura de 0,55 metros
de altura incluida la peana, y realizada en madera de cedro, estaba destinada
para ser colocada sobre el facistol (un gran atril para sostener los libros de
cantos) del coro de la catedral de Granada. Cuando los canónigos de la catedral
vieron la imagen, pensaron que era mucho mejor colocarla en la cajonería de la
sacristía, y así podría ser contemplada desde muy cerca y todos los días.
Representa a la Virgen María en su
advocación de la Inmaculada Concepción. Esta creencia dice que Dios preservó a
la Virgen María al nacer del pecado, la inclinación al mal, con que vienen al
mundo todos los hombres (pecado original), para preparar de esta manera a la
que iba a ser madre de Jesús, su Hijo. Era una opinión muy extendida en España
en el siglo XVII. Esta creencia acabará siendo declarada dogma de fe -verdad
que deber ser creída por los católicos- por el papa Pío IX en 1854.
La base es pequeña; no se trata de la
típica peana de una escultura, sino de una nube; es pequeña en relación con el
cuerpo que ha de sustentar. No contiene dragones, ni serpiente, ni ángeles de
grandes proporciones, como se ve en otras obras, sino unas caras de tres
querubines que se entremezclan airosamente con las nubes, como si formaran
parte de ellas -es una manera de espiritualizar la obra-. Y a partir de aquí se
surge la figura, magnificando progresivamente esa espiritualidad. Sobre las
nubes y los querubines se sitúa la luna orientada hacia abajo. A partir de
ella, se inicia un movimiento ascendente de figura humana espiritualizada,
ocultos los pies por un manto que comienza a dar misticismo al mismo ritmo que
surge hacia arriba. Aunque el manto tienes grandes pliegues, aligera Alonso
Cano la base, en torno a los pies, con lo que la figura adquiere una forma
fusiforme -o de huso-. Observamos la diagonal que el manto azul inicia en la
base, y que lleva la mirada del espectador hasta el rostro y manos; son estas
las dos pinceladas más claras del conjunto y donde Cano concentra su maestría
espiritual. Era habitual que un hombro quedara libre del manto. Pero conviene
detenerse y analizar la cabeza, sumamente bella.
Es propio de Cano el realizar figuras
humanas que parecen ensimismadas. Es una representación de la virgen-niña,
totalmente abstraída de la realidad exterior y concentrada en sus sentimientos
más íntimos sobre la profundidad del misterio, del privilegio y del dolor de
ser la Inmaculada como madre de Dios. Indudablemente contribuye a crear en el
espectador un clima de oración. Otros elementos, como la pierna que se
adelanta, la mirada lateral de la Virgen, el ritmo helicoidal, etc.,
contribuyen a dar la belleza clásica a esta insigne obra.
Alonso Cano era pintor, y por eso, él
mismo se encargaba de policromar sus obras, como en este caso, aunque aquí no
usó el estofado, tan presente en los escultores andaluces de la época.
Bibliografía: http://contemplalaobra.blogspot.com.es/2011/04/alonso-cano-la-inmaculada.html
Fachada de San Carlo alle Quattro Fontane
Julio Antonio Padial Delgado
2ºBachillerato C
Es una
iglesia construida entre 1638 y 1641 en la ciudad de Roma. Diseñada por
Francesco Borromini (1599-1677), es una de las piezas maestras de la
arquitectura barroca. La fachada de la iglesia fue diseñada y construida a
partir de 1664. Después de la muerte del arquitecto en 1667, el trabajo fue
continuado desde 1670 a 1680 por su sobrino Bernardo Borromini a partir de los
dibujos del maestro. El campanario fue demolido para la prolongación del cuerpo
convexo de la iglesia hacia la esquina de las Quattro Fontane, y se construyó
uno nuevo en 1670. La decoración de la fachada se prolongó durante una década,
hasta la instalación de la estatua de San Carlo en el nicho principal en 1680.
Destaca como
obra barroca pues muestra una fachada muy dinámica, hecho que se ve en la
ruptura del entablamento del marco del portón y la alternancia de formas
cóncavas y convexas.
No tenían
mucho dinero y el uso eficiente del espacio disponible. Gracias al genio del
arquitecto, que supo combinar estas cualidades en un resultado elegante e
innovador, se puede decir que la iglesia y todo el conjunto son los más grandes
exponentes de la arquitectura barroca. La iglesia y el conjunto conventual se
caracterizan por tamaño sorprendentemente pequeño y la simplicidad de los
materiales, en conformidad con la regla y la espiritualidad de los hermanos de
origen español de la Orden de los Trinitarios, que recién se habían establecido
en Roma (en 1609, dirigido por el Padre Gabriele dell'Assunta), sino también
con las convicciones de Borromini que prefería a los materiales de alta
calidad, materiales más humildes como el yeso y estuco, para ser mejorados
mediante la técnica.
Bibliografía: Wikipedia (http://es.wikipedia.org/wiki/Iglesia_de_San_Carlo_alle_Quattro_Fontane)
domingo, 30 de marzo de 2014
La lección de anatomía del doctor Nicolaes Tulp
(Tengo problemas con las imágenes, si alguno puede modificad el archivo y añadirla, gracias)
Se trata de una composición grupal de estudiosos anatómicos de la época en la que se observa a un maestro enseñando anatomía y a siete alumnos, vistiendo todos ropajes de la época. La iluminación parece proceder de un foco de luz situado al frente izquierdo de la imagen, por ésta se deja ver a los personajes ofreciendo una clara tendencia tenebrista
En primer lugar, se encuentra el cadáver situado en posición yacente creando un escorzo. En éste se aprecia un gran estudio de la anatomía en un desnudo parcial, y su mano izquierda muestra los tendones en tensión sujetados por las pinzas del maestro.
El maestro se diferencia de los alumnos por su sombrero y sus telas negras que se confunden con el fondo. Mientras da la clase sujeta con las pinzas los tendones del cadáver y gesticula con su mano izquierda.
Entre los alumnos diferenciamos a tres tipos: los que miran el cadáver abalanzándose sobre éste para atender a la explicación del maestro creando de nuevo un escorzo (los tres alumnos en el centro de la imagen); los que miran al espectador, involucrándolo en la clase (el segundo comenzando por la izquierda y el que se encuentra al fondo encorbado sosteniendo un libro); y el resto, que una mira al maestro (primero empezando por la izquierda) y el otro mira al infinito (el más alto al fondo).
Apreciamos un gran naturalismo y expresividad en los rostros de los personajes. Es una imagen estática en la que prima el color sobre la línea, entremezclando algunos personajes con el fondo.
La técnica utilizada es óleo sobre lienzo.
En Amsterdam, la sociedad civil, satisfecha por su independencia política y su religión protestante, funda las dos compañías de Indias. En 1632 los cirujanos le encargan esta obra a Rembrant para decorar las salas de sus corporaciones rememorando una clase magistral de este célebre médico.
Podemos citar como antecedente La Virgen de las rocas de estilo renacentista de Leonardo da Vinci en cuanto al tenebrimo de los fondos oscuros.
Como consecuente podemos citar Las Meninas de estilo barroco del autor Diego Velázquez, también en cuanto al empleo de fondos oscuros y composición grupal.
Cristina López Rodríguez
viernes, 28 de marzo de 2014
Columnata de San Pedro (no examen)
1.TIPO DE ARTE: Nos encontramos ante una obra de arte
mayor, concretamente con la Columnata de San Pedro, que constituye el
conjunto arquitectónico de la plaza de San Pedro, en el Vaticano.
2.LOCALIZACIÓN
2.1.Título de la obra: Columnata de
San Pedro
2.2.Autor: Gian Lorenzo Bernini
2.3.Estilo y escuela: Barroco Italiano
2.4.Localización: El Vaticano, Roma
2.5.Cronología: Siglo XVII (1656 -
1667)
3.ANÁLISIS Y CARÁCTERES: Se trata de
un espacio armoniosamente desproporcionado a cielo abierto, que
corresponde con una plaza períptica con dos grandes alas de cuatro
series de columnas que abren una elipsis, creando un magnífico
efecto ovalado con dos arcos de círculo separados. Esta columnata
está coronada por importantes estatuas dispuestas sobre cada
columna. Hay aproximadamente 246 columnas, de fuste liso y capitel
corintio. Sostienen un frontón triangular con un relieve del escudo
del Vaticano.
Tiene un aspecto severo y austero que
da fuerza a la fachada de la basílica, aumentando incluso su tamaño
a la vista.
4.TÉCNICA: Este gran deambulatorio de
columnas está realizado en mármol y piedra. Estas columnas mezclan órdenes influyentes en la ciudad papal: elementos de orden toscano (columnas, pilares) y jónico en lo restante.
5.INTERPRETACIÓN: La columnata
representa un monumental baldaquino cuya intención no es solo la de
acoger al pontífice en procesión. Se la interpreta como dos grandes
brazos abiertos que acogen a todos los cristianos y perseguidos, para
resguardarlos, es decir, es símbolo de que la iglesia acoge a los
peregrinos, y también de la capitalidad universal de la Roma Papal.
6.RELACIÓN CON SU CONTEXTO: Con
este proyecto Bernini daba la importancia crucial a la cúpula de
Miguel Ángel, convirtiéndola en el eje visual de la basílica.
Este bosque de columnas nunca permitía
contemplar el edificio completo.
El conjunto, con el alargamiento del
eje axial, que supera la dimensión de la propia Basílica, va a ser
un modelo a imitar en todas las construcciones barrocas de la época.
El sentido de lo colosal y el tratamiento escultórico de la
decoración, propias de Bernini, van a seguirse en toda Europa.
7.ANTECEDENTES
¿?
8.CONSECUENTES
¿?
POR: LARA ARELLANO ROMERO 2ºBTO C
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