La Virgen Blanca

Nos encontramos ante una obra escultórica, de arte mayor, concretamente ante la Virgen Blanca, perteneciente al estilo gótico y de autor desconocido. Fue realizada a finales del siglo XIII, aunque para otros es del siglo XIV y se encuentra en el coro de la catedral de Toledo.

Se trata de una escultura exenta que representa a la Virgen de pie sosteniendo al niño con el brazo izquierdo. El cuerpo de la Virgen se arquea por el peso del niño, generando una postura de contraposto y movimiento en todo el cuerpo que rompe el hieratismo de épocas anteriores. La madre y el niño establecen una comunicación amable visible en el gesto sonriente de la madre y el hijo así como en el gesto del niño llevando su mano derecha en una caricia hacia la barbilla de su madre; todo esto pone fin a la frontalidad de la escultura románica. Se observa una búsqueda de la belleza ideal y de la proporcionalidad, dando a las obras pinceladas naturalistas.

Para su construcción se empleó alabastro, que fue posteriormente policromado.
La escultura refleja la nueva sensibilidad religiosa y los cambios estéticos producidos a lo largo de la edad media, periodo en que la sociedad europea giraba en torno a la creencia y la fe.
En la escultura gótica se va tendiendo a un mayor naturalismo, en una Europa que experimenta importantes cambios a nivel político, económico, social y cultural.

Como antecedente podemos citar la Virgen de CortsCastell, de estilo románico, de la primera mitad del siglo XII, en cuanto a que se trata de un conjunto formado por la Virgen y el Niño aunque encontramos grandes diferencias entre ambas, predominando en esta última la rigidez y la falta de comunicación entre madre e hijo.
Vemos influencias de esta escultura en el relieve renacentista de la Virgen de la Escalera, de Miguel Ángel en cuanto a los pliegues de los ropajes y la cercanía con el niño.

                

Bibliografía: blogartehistoria.blogspot.com.es
                   artehistoria.htm
                   quedearte.blogspot.com
                   vegadelturiahda.com


Realizado por: Cristina López Rodríguez 2º Bach

La Anunciación, de Simone Martini

 La Anunciación de Simone Martini

1-TIPO DE ARTE: 

Esta obra se puede considerar de arte mayor, debido a que es una pintura sobre tabla.

2.LOCALIZACIÓN:

  2.1.-Título: La Anunciación

  2.2.-Autor (es):  Simone Martini           

  2.3.-Estilo y escuela: Escuela Florentina. Trecento Italiano.

  2.4.-Localización: Parte de la colección de la Galería Uffizzi, Florencia.

  2.5.-Cronología: Siglo XIV

3.ANÁLISIS Y CARACTERES:

Esta obra es una escena que representa  el tema de la anunciación de María. El arcángel Gabriel llega del cielo y se postra ante la Virgen María para anunciarle que será la madre del hijo de Dios.

Esta compuesta por cuatro personajes:

 -El árcangel Gabriel, que se aparece ante la virgen María para la anunciación del hijo de Dios

-La virgen María, que presenta una faceta de sorpresa y desconcierto ante tal acontecimiento

-San Ansano (izquierda)

-Santa Margarita (derecha)

Esta obra demuestra que la pintura ha experimentado una gran evolución, y que hay otra manera de entender el arte.

4-TECNICA:

Este cuadro está realizado sobre un temple de madera. Es de claro estilo gótico, se observa las características de la escuela de Florencia: el volumen, la gravedad humana, colores y formas macizas, un fondo color oro, heredado del estilo bizantino, que dota a la obra de gran espiritualidad y realza el enfoque de las figuras representadas.

Se aprecia el uso de las líneas ondulantes, muy características del estilo gótico, que tienen como fín acentuar la delicadeza de la escena, los flotantes de los ropajes y la sutil gracia de las figuras alargadas.

Utiliza arcos ojivales polilobulados para los extremos, muy característicos del gótico.

Se observa mayor realismo en las vestimentas, en las formas de los cuerpos y en la sensación de profundidad que pretende crear el suelo y el jarrón de azucenas.

Los colores son llamativos, y el cromatismo rico y variado.

Se aprecia la influencia Greca y de Sienna.

5.-INTERPRETACIÓN:

Representa, como bien hemos visto con anterioridad, el momento en el que el arcángel Gabriel  anunciando a la Virgen María que dará a luz al hijo de Dios. Esta se presenta con un gesto de contrariedad y estupefacción ante tal noticia, y aparece acompañada de San Ansano, y Santa Margarita.

El jarrón con azucenas presente en mitad de las figuras, entre el arcángel y la Virgen, indica la pureza de ella, y pretende crear profundidad además.

El mensaje de arcángel aparece como si fuera un soplo, de destellos dorados, que llega hacia la Virgen María.

Esta obra rompe con los esquemas idealizados de la manera de ver el arte

6.-RELACIÓN DE LA OBRA CON SU CONTEXTO:

Esta obra es de motivo religioso, como casi todas las obras de esta época, y fue realizada para la catedral de Sienna. En la sociedad la religión era un motivo muy importante, y se demuestra en el arte, donde se construyen grandes catedrales como Notre Damme de París, esculturas como la Virgen Blanca, y cuadros y tablados como este representado en este comentario.

Se aprecia la idealización de estos personajes, y muchas veces las personas que invertían en las obras aparecen inmortalizadas en ella.

En este tipo de arte, el de la escuela de Florencia, se aprecia la influencia greca, y de la ciudad de sienna, y de hecho se denomina a un color, entre beige y marron clarisimo, llamado color sienna.


8.BIBLIOGRAFÍA:
http://cv.uoc.edu/~04_999_01_u07/percepcions/perc40.html
http://www.sigojoven.com/grupos/museos_del_mundo/articulo/la-anunciacin-de-simone-martini
http://ipfaarte.blogspot.com.es/2012/03/la-anunciacion.html
http://anacob3.blogspot.com.es/2013/01/pintura-gotica-simone-martini-la.html


POR: LARA ARELLANO ROMERO

Palazzo del Comune

1-Tipo de arte: Arte mayor Siena, Toscana, Italia

2-Localización:
 Titulo: Palazzo del comune (ayuntamiento Siena).
 Estilo: Gótico.
 Cronología: (1297-1337)
 Siena, Toscana, Italia

3-Análisis, características, técnica:

 El exterior de la estructura es un ejemplo de arquitectura medieval italiana con influencias góticas. La planta baja es de piedra; las superiores están hechas de ladrillo. La fachada del palacio está ligeramente curvada hacia el interior,la torre fue diseñada para superar en altura a la torre del Palazzo Vecchio de Florencia, vecina y rival, en aquella época era la estructura más alta de Italia.
Las grandes salas del interior del palacio contienen frescos, estos frescos fueron inusuales en su época, pues fueron encargo de los gobernantes laicos, más que de la iglesia.

4-Interpretación:
El ala corta del palacio fue utilizada como residencia de los magistrados del Comune ya desde principios del Trescientos.
En el interior se conservan varios frescos de Pietro da Miniato de finales del Trescientos y se pueden admirar decoraciones y entalladuras leñosas datables entre el Quinientos y el Ochocientos, además de una amplia colección de telas

5-Relación de la obra con su contexto:

Desde las frías orillas del Mar del Norte hasta las templadas riberas del Mediterráneo van a ir surgiendo en las principales ciudades europeas, como magna muestra de arquitectura civil, unos edificios peculiares: los palacios municipales. Si la Iglesia se ve representada en la catedral y la vieja nobleza en el castillo, la domus municipalis será el epítome de las intenciones burguesas. Se trata en consecuencia de los primeros edificios de ayuntamientos, los cuales dada su época de aparición, se construirán preferentemente en estilo gótico. No existe para ello un único modelo, aunque sí pueden observarse diversas características comunes, al responder a necesidades semejantes.

6-Antecedentes:
Torre del palazzo dei priori ( ayuntamiento de Volterra, de principios del s.XIII).
7-Consecuentes:
Ayuntamiento Bruselas, Bélgica.

8-Bibliografia:
http://www.po-net.prato.it/artestoria/es/?act=i&fid=2961&id=20090327115632430
http://es.wikipedia.org/wiki/Palacio_Comunal_de_Siena
Libro texto 2ºBto Historia del arte

Juan Pedro Guerrero Pretel 2ºBachC

Los sacerdotes expulsan del templo a San Joaquin por no tener descendencia.

1-Tipo de arte: Arte mayor, pintura al fresco

2-Localización.

            Título: Los sacerdotes expulsan del templo a San Joaquin por no tener descendencia.

            Autor: Giotto di Bondone

            Estilo:  Trecento, renacimiento italiano

            Se encuentra en la Capilla de los Scrovegni de Padua

            Cronología: 1302-1305

3-Análisis y características

            Esta Expulsión de San Joaquín se sitúa en la parte superior de la pared de la nave única de la iglesia, que desarrolla la Historia de San Joaquín y Santa Ana. El artista ha presentado un edificio del que, aun fuera, vemos el interior de la arquitectura. La construcción se presenta hermética, con volúmenes muy definidos, aunque finamente decorados sus muros sobre un intenso cielo azul. Dentro, un sacerdote bendice a un fiel. Pero fuera, San Joaquín se muestra atónito y sin fuerzas para replicar la prohibición del sacerdote. Giotto ha dado toda la importancia al gesto, articulando de esta forma la composición. De cualquier manera, los volúmenes rotundos del edificio y su disposición en el cuadro, ayuda a seguir la diagonal que señala el brazo del sacerdote; estos elementos indican un nuevo lenguaje pictórico más moderno utilizando el volumen plástico, la realidad de objetos y paisajes y intensificando la gravedad humana, estas características representarían la "manera latina" frente a la anterior denominada "maanera griega".

4- Técnica

            Pintura al fresco

5- Interpretación

            Expulsión de San Joaquín del Templo, Joaquín es expulsado del templo en el que se educó desde niño, los rostros del sacerdote y del santo expresan los sentimientos en ésta situación. Su sacrificio es rechazado al ser anciano y no tener hijos, lo que era una auténtica maldición en Israel.Siguiendo el libro de Jacobo de la Voragine (la Historia de San Joaquín y Santa Ana no está recogida en las Santas Escrituras), Giotto figuró el episodio de la Expulsión del padre de la Virgen de manera clara y muy accesible. La colocó como primera escena que abría el ciclo del registro superior, pero anticipa, de alguna manera, todo el desarrollo posterior del relato. San Joaquín fue a realizar una ofrenda al templo, pero un sacerdote lo expulsó de él por no haber tenido hijos y ser ya viejo y estéril. Giotto sitúa el motivo principal fuera del templo, cuando San Joaquín es rechazado por el sacerdote.

6-Relación de la obra con su contesto
                En el momento en el que se hace la obra las ciudades italianas estaban en un intenso desarollo económico que permite el florecimiento de talleres artísticos, uno de los cuales fue el de Cimabue, que sería el maestro de Giotto.
                La capilla fue erigida en Padua por orden de Enrico Scrovegni, que pretendía así expiar los pecados de su padre, conocido usurero. La capilla tenía finalidad funeraria, y el propio Enrico (muerto en 1336) está enterrado allí. Todo ello es muestra también de la influencia del contexto en la obra, en este caso de la fuerte religiosidad de la época: la iglesia condenaba la usura, y la construcción de la capilla era una forma de penitencia.

           

8-Consecuente
             La obra de Andrea Orcagna en cuanto a la monumentalidad de su estilo, o la de Todeo Gaddi, en cuanto a la gravedad que expresan los personajes.

            

"El matrimonio Arnolfini" de Juan Van Eyck

La imagen objeto de comentario se trata de arte mayor (Pintura).

El matrimonio Arnolfini 

Pintor flamenco,Juan Van Eyck

Pintura flamenca, arte gótico 

National Gallery, Londres

siglo XIII

El matrimonio Arnolfini es un cuadro que representa el rito nupcial entre una pareja italiana.

El cuadro representa característica ,reconocidas a simple vista, como la minuciosidad, que se refleja en varios elementos como por ejemplo el vestido de la mujer, en el que se observan los detalles de los pliegues y la forma en la que el vestido cae al suelo. También se reconoce el realismo en varios elementos como por ejemplo en las vestimentas que dan pie a imaginar la textura de éstas. 

Las vestimentas no son el único elemento realista, el detalle y la minuciosidad en las joyas o los rasgos faciales también.

Además de la minuciosidad y del realismo, la imagen represente una escena cotidiana como es la celebración de un matrimonio y también aporta elementos cotidianos tales como los zapatos que se se encuentran desperdigados por el salón en el que se encuentra esta pareja, la fruta que se percibe en la profundidad del cuadro y el mobiliario típico de las casas de Flandes en el siglo XIII.

Es una obra simbólica puesto que elementos de los que el cuadro está compuesto tiene una interpretación y un porque en la imagen,  es decir, en el caso de lámpara, la cual solo posee una vela encendida, es un símbolo que representa el cirio con el que el padrino alumbra al sacerdote durante el acto nupcial.

Otros elementos simbólicos son el perro, que representa la fidelidad que debe haber en un matrimonio, la estatua en pequeñas dimensiones de Santa Margarita, que se observa a lo lejos, y da una posible interpretación, que varios investigadores apoyan, que es el la de que la mujer posiblemente se encuentre embarazada puesto que está representada con un volumen en la zona del vientre más grande de lo habitual y puesto que Santa Margarita es la patrona de las mujeres en estado. 

Más elementos simbólicos son el espejo, en el que se ve reflejado el autor de la obra acompañado de otro personaje y ,justamente más abajo, se encuentra una frase de carácter latino traducida por: "Juan Van  Eyck estuvo aquí".

En cuanto a la técnica, se empleó el óleo sobre tabla en tonos más bien oscuros pero, a pesar de éstos, la imagen obtiene un tono luminoso a mano izquierda, donde se encuentra la ventana. Esto es una cualidad que se suma al realismo de la obra.

Por todas las características mencionadas anteriormente, la obra se sitúa en el arte gótico y, concretamente, en las figuras flamencas del Trecento, arte en el que abunda un predominio de los orígenes del realismo en el ámbito artístico.

Como consecuentes se encuentran las obras de autores que toman por estilo la representación de su imagen a lo lejos reflejada en un espejo; concretamente, la obra renacentista denominada "Las Meninas" de Velázquez.

Bibliografía: 

- Libro de texto de 2º de Bachillerato (Editorial Anaya).

- Wikipedia.

- Apuntes y anotaciones del profesor.

Andrea Fernández Pineda

RETABLO DE LA ADORACIÓN DEL CORDERO MÍSTICO:

1: Tipo de arte:

Pintura (Arte Mayor)

2: Datos principales:
-Título: Retablo “La adoración del Cordero Místico”
-Autor: Hermanos Hubert y Jan van Eyck.
-Estilo y Escuela: Pintura flamenca.
-Donde se encuentra: Catedral de San Bavón, en Gante (Bélgica)
-Cronología: 1432

3: Análisis, caracteres y técnica:
La presente obra se trata de una de las más conocidas de los hermanos Eyck, se trata de un políptico realizado para la catedral de Gante a expensas de Joos Vijdt y Lysbette Borluut, un rico matrimonio comerciante de la ciudad, que también aparece representado en la obra junto a sus santos patrones.

Esta realizado con una técnica de óleo sobre tabla, con unos colores muy vivos y brillantes, y además de un gran simbolismo cristiano, muy común entre los pintores y artistas flamencos de la época.

Antiguamente el políptico permanecía cerrado durante todo el año a excepción de las grandes fiestas, en las que se abría para contemplación de todos los fieles del misterio del “Cordero Místico”.

Cerrado podemos ver una serie de paneles que muestran en la parte superior a las llamadas “sibilas”, sacerdotisas de la antigua tradición griega, y a los profetas Zacarías y Miqueas en los lunetos laterales.

En la parte inferior, como ya hemos señalado, los dos donantes con las figuras de San Juan Evangelista y San Juan Bautista.

En la parte central se muestra el misterio de la “Anunciación”, en el que el arcángel Gabriel anuncia a María que será madre de Cristo, para esto le dice “Dios te salve María llena eres de gracia”, que aparece en letras doradas y en latín entre el ángel y la Virgen, como si de un bocadillo de comic se tratase, a esto la Virgen responde “He aquí la esclava del señor” escrito de la misma manera pero al revés y dirigiendo su mirada a la paloma que aparece sobre ella (Espíritu Santo). El ángel porta una rama de azucenas, símbolo de la pureza de María, además de la puesta en el fondo de una jarra y unos paños, símbolo de su virginidad. Es de destacar el gran tratamiento que se da a la vestimenta de ambos y a la gran altura que se da a las imágenes, típico de las representaciones sacras de la época.

En los paneles entre las imágenes podemos observar la vista de una ciudad, posiblemente de la vista desde los estudios de los hermanos.

En la parte interior tenemos en la parte superior la “Deesis” representación muy bizantina que muestra a Dios en majestad franqueado por la Virgen y San Juan Bautista, como intercesores de la humanidad el día del juicio final, entorno a estos hay una serie de inscripciones teológicas. En sus lados aparecen coros de ángeles cantando y tocando instrumentos, y en los extremos parecen Adán y Eva, no idealizados y embarazada, como madre de la humanidad. Estos paneles están coronados por escenas de la muerte de Abel y las ofrendas de los hermanos.

En la parte inferior aparecen a la izquierda los jueces y cristianos justos y a la derecha los ermitaños y los peregrinos dirigidos por el gigante San Cristóbal, todos estos se dirigen a la escena central que muestra la adoración al Cordero, hijo de Dios, y su eucaristía, entregando su sangre a un grial. Coronando la escena aparece el Espíritu Santo iluminándolo todo. El Cordero se ve rodeado de ángeles que portan atributos pasionistas (cruz, columna de azotes, clavos, corona de espinas y la esponja empapada en vinagre) y otros que inciensan el altar. Toda esta escena transcurre en un paisaje campestre con un fondo de ciudades y cuatro grupos de adoradores que vienen de los lados, estos son en la parte superior mujeres mártires portando palmas como símbolo del martirio y la Iglesia Católica(Evangelistas), en la inferior paganos (entre ellos Virgilio de blanco) y judíos con su libro sagrado y del otro lado obispos y papas.

4: Interpretación:

La obra pretende ser todo un catecismo para los fieles que la contemplen, mostrando muchos de los misterios y dogmas de la religión cristiana.

5: Antecedentes: 

-“Anunciación” Lorenzo Monaco

6: Consecuentes:

-“La Virgen en una iglesia” Jan van Eyck

Bibliografía: 

http://es.wikipedia.org/wiki/Pol%C3%ADptico_de_Gante

http://www.artehistoria.jcyl.es/v2/obras/5033.htm

Francisco José García Prieto 2.BACH. C

                             CATEDRAL DE REIMS

1.Tipo de arte: Arte mayor, Escultura.

2.Localización:

-Título: Catedral de Reims.

-Autor: Varios autores entre los que destacan Jean de Orbais y Jean le Loup.

-Estilo y escuela: Arte gótico francés.

-Dónde se encuentra: Reims, Francia.

-Cronología: Siglo XIII.

3.Análisis y caracteres: 

Nos hayamos ante una imagen de la Catedral de Reims que es uno de los más imponentes edificios góticos de Francia, tanto por su extraordinaria arquitectura como por su riquísima estatuaria. En 1991, fue incluida en la lista del Patrimonio de la Humanidad por la Unesco.

Respecto a su exterior cabe destacar que los tres pórticos están cargados de estatuas y estatuíllas.  El portal central, dedicado a la Virgen María, tiene por encima un rosetón enmarcado en un arco en sí mismo decorado también con estatuas, en lugar del habitual tímpano esculpido. La «galería de los reyes» por encima muestra el bautismo de Clodoveo en el centro flanqueado por estatuas de sus sucesores.

Las fachadas del transepto están también decoradas con esculturas. La del norte tiene estatuas de los obispos de Reims, una representación del Juicio Final y una figura de Jesús, mientras que en el lado meridional tiene un bello rosetón moderno con los profetas y los apóstoles. Un incendio destruyó el tejado y las agujas en 1481: de las cuatro torres que flanqueaban los transeptos, nada queda por encima de la altura del tejado. Sobre el coro se alza un elegante campanario de madera cubierto de plomo que tiene 18 metros de alto, reconstruido en el siglo XV. Las torres miden 86 metros de altura. Entre otras escenas representadas, están la lucha entre David y Goliat, y la coronación de la Virgen María. La nave mide 138,75 metros de largo y unos 30 de ancho. Quería hacer saber que el número de las estatuas (2303) es impresionante y supera al de todas las otras catedrales europeas.

4.Técnica:

En el año  1211, el arzobispo de Reims inicia la construcción de la nueva catedral de Reims (el edificio actual), destinada a sustituir la catedral  carolingia, destruida por un incendio en el año anterior. 

Los materiales empleados para su elaboración fueron piedra, argamasa, metal fundido y vidrio; se materializó en cien años.

5.Interpretación:

Esta catedral también conocida como la Catedral de Notre-Dame es de culto católico romano bajo la advocación de Nuestra Señora, la Virgen María en la ciudad de Reims; además cabe mencionar que un incendio como en Chartres, en Amiens y otras muchas iglesias francesas, cuando corría el año 1210, motivó la reconstrucción de la catedral.

6.Relación de la obra con su contexto:

La catedral es la iglesia mayor diocesana; en ella se asienta la cátedra del obispo, donde preside el culto e imparte su enseñanza a los fieles. Además, durante la Baja Edad Media, este edificio testimonia la gloria del prelado que la mandó a construir, exalta la alianza entre el clero y la monarquía, y revela el orgullo de la burguesía. Prueba de ello es que la catedral no sólo fue una casa de oración, sino que se convirtió también en el marco adecuado para celebrar los fastos reales (coronaciones, bautizos, bodas y funerales) y las reuniones civiles de las corporaciones gremiales. Mientras tanto, el pueblo llano rezaba y se divertía en su interior con el teatro litúrgico que en las festividades de la Navidad y de la Semana Santa se representaba en sus naves.

7.Antecedentes: Las catedrales de París y de Chartres.

8.Consecuentes: Las catedrales de Estrasburgo, Amiens y Beauvais. 

Bibliografía:

-http://arteculturaexistencial.blogspot.com.es/2008/02/la-catedral-de-reims.html

-http://es.wikipedia.org/wiki/Catedral_de_Reims

-http://www.artehistoria.jcyl.es/v2/obras/9510.htm

-http://www.foroxerbar.com/viewtopic.php?t=8459

-Libro de texto de historia del arte 2ºbto.

LAURA BAUTISTA JIMÉNEZ, 2ºBTO-D

Santa Capilla de París.

Santa Capilla de París 

1.Tipo de arte: Arte Mayor,Arquitectura
2.Localización: 
-Título: Santa Capilla (Saint - Chapelle)
-Autor: Tomás de Cormont
-Estilo y Escuela: Arte Gótico francés
-Donde se encuentra: Palacio Real,París. 
-Cronología: 1242-1248
3:Análisis y Caracteres
Nos encontramos ante la Santa Capilla, una obra de escultura Gótica del siglo XIII, en la que aparecen todas las posibilidades estructurales y estéticas del gótico, señalada por muchos artistas y historiadores como el apogeo del arte gótico.Esta esta constituida por 2 zonas,la Capilla Alta y La Capilla Baja. Las paredes de la capilla alta fueron sustituidas por grandes ventanales decorados con vidrieras que representan escenas bíblicas o religiosas,con función didáctica. Las ventanas, de 15,35 metros de alto por 4,70 metros de ancho, están divididas por arcos, y presentan un rosetón al unirse al techo.Las vidrieras representan escenas de el Génesis,o el Éxodo entre otras. La Capilla Baja estaba dedicada a la Virgen, y era para el uso de los plebeyos y el servicio de palacio, mientras que la Capilla Alta estaba dedicada a la nobleza. Esta parte se construyo para el soporte de la capilla alta, lo que cuenta con infinidad de columnas que soportan el techo.  
4.Técnica.
Esta levantada en 2 alturas,destinadas a la nobleza o al pueblo.Las bóvedas de crucería,decoradas en azul con motivos dorados hace alusión al universo,descansando sus pesos en los nervios a los baquetones,que hace el empuje se traslade en sentido vertical liberando a los muros de su carga. Las vidrieras presentan una policromía bastante homogénea,en la que predomina el rojo,el azul y el amarillo,proporcionándole a la capilla un colorido característico.Muestra una planta de salón con 3 naves en la planta inferior, con decoración policromada. En las columnas se distinguen 2 tipos de decoraciones, azules con flores de lis, que representan a la realeza francesa; y rojas decoradas con castillos dorados, símbolos de Castilla.
5.Interpretación
Esta capilla fue mandada a construir por el rey San Luis De Francia, con la finalidad de guardar las reliquias de la corona francesa,por lo que se considera un relicario.Esta considerada como una de las obras cumbres de la arquitectura gótica.Las novedades arquitectónicas introducidas por el gótico permiten prescindir del muro e introducir grandes ventanales, que iluminan la capilla, y además, cumplen una función didactica, representando escenas de la Biblia. 
6.Relación de la obra con su contexto.
La capilla fue construida para albergar las reliquias del Martirio de Jesucristo (La corona de espinas,parte de la cruz,el hierro de la lanza, la esponja entre otras...) llevadas desde Siria y Constantinopla hasta Francia, siendo adquiridas por Luis IX a Balduino II, Emperador de Constantinopla. Se dice que el mismo Rey entro en París con ellas, descalzó, y las depositó en la capilla de San Nicolás, hasta que una capilla digna de estas reliquias fuera construida. La contrucción se comenzo a partir de 1942, y concluyó en 1248. El edificio es un exponente de su época, al ser concebido por el rey de Francia como un relicario, lo que expresa la intima colaboración entre el poder político y la Iglesia en la Edad Media. 
7.Antecendentes:La Basílica Menor Santa Capilla de Caracas,Estilo neogótico de finales del s.XIX.La causa de la construcción de esta capilla fue debido a que el dictador Antonio Guizmán Blanco pretendía hacer de Caracas otro París. 
8.Consecuentes: 
Bibliografía: 
-Libro de texto 'Historia del Arte 2ºbto' 
-Wikipedia (http://es.wikipedia.org/wiki/Sainte_Chapelle)
-http://blogarteehistoria.blogspot.com.es/2009/02/comentario-de-la-santa-capilla.html

María del Mar González Díaz 2 bto C

ESTATUAS  DE LOS REYES Y REINAS DEL ANTIGUO TESTAMENTO

1.- Tipo de Arte:

Es una mezcla de arquitectura y escultura, por lo que es arte mayor.

2.- Localización:

La obra es una parte de la Catedral de Chartres, son los Reyes y Reinas del Antiguo Testamento , parte del llamado Pórtico Real. El autor de la Catedral, y por lo tanto de esta pieza, no se conoce. Es de estilo gótico y románico, de origen francés. Se encuentra en Chartres, una ciudad a unos 80km al suroeste de París. Esta parte de la catedral fue creada en la década de 1140.

3.- Análisis y caracteres:

 Las estatuas muestran una expresión serena, distinta a la severidad habitual en el románico precedente. Las figuras reales tienen una estatura menor, pero aun así casi igual que las figuras bíblicas, simbolizando una relación de parentesco entre la realeza y la divinidad. El Pórtico Real de se divide de la siguiente manera:

Este pórtico se organiza de una manera tripartida, siendo la portada central de mayor anchura y altura que las laterales, reflejo de la estructura interior de la catedral. Se puede notar la tradición paleocristiana, cuyas basílicas se dividían de la misma manera. A su vez, cada portada se estructura de una manera ordenada, fiel reflejo del pensamiento de la época, que se basa en el ordenamiento geocéntrico y matemático para alcanzar la visión divina, y en la claridad y división de las formas, que dan a la arquitectura una visión serena y tranquila.

4.- Técnica:

Para fabricar este pórtico se utilizo piedra, esculpidas y colocadas después en la catedral.

5.- Interpretación:

Existen indicios de que en el lugar que hoy ocupa la catedral existía desde tiempos anteriores a la era cristiana un altar (y según algunos autores una gruta) dedicado a la Diosa Madre de la mitología druídica, siendo esta localidad un importante centro religioso para la tribu celta de los carnutes, pueblo del que deriva el nombre de la ciudad.

6.- Relación de la obra con su contexto:

En la edad media la catedral funcionó como escuela, ya que Carlomagno había ordenado en el siglo IX que las catedrales y monasterios mantuvieran escuelas. Chartres obtuvo considerable fama por el estudio de la lógica, materia en la que para muchos rivalizaba con París. El escritor y filósofo inglés Juan de Salisbury recibió parte de su formación en Chartres.

A diferencia de otros monumentos franceses el edificio no sufrió daños durante la Revolución francesa; pese a que el comité revolucionario había decidido su demolición el encargado de llevarla a cabo, un arquitecto local, la desaconsejó alegando que los escombros resultantes cegarían las calles circundantes.

Las restauraciones sucesivas también respetaron su diseño original, gracias a lo cual el edificio ha llegado a nuestra época en un estado de conservación muy superior a la mayoría de construcciones francesas de la época.

El 4 de junio de 1836 un incendio destruyó las cerchas de la techumbre de castaño danés. El arquitecto Edouard Baron la sustituyó por una estructura de hierro fundido cubierta por láminas de cobre, imitando la técnica usada en la catedral de Maguncia.

Durante la segunda guerra mundial los vitrales fueron desmontados y ocultados para evitar daños por parte de los bombardeos alemanes. Tras la ocupación los alemanes usaron la catedral como club social.

7.- Consecuentes:

·         Catedral de Reims

·         Catedral de Amiens

8.- Bibliografía:

Para el tipo de arte, localización y técnica he usado el libro de 2º de bachillerato de Historia del Arte.

Para el análisis, interpretación y relación con el contexto las iguientes páginas de internet:

·         http://historiaculturayarte.blogspot.com.es/2012/01/portico-real-de-la-catedral-de-chartres.html

·         http://es.wikipedia.org/wiki/Catedral_de_Chartres#La_fachada_principal

·         http://es.wikipedia.org/wiki/Catedral_de_Chartres

Julio Antonio Padial Delgado 2º Bach.C

Retablo del Espíritu Santo

Retablo del Espíritu Santo

-Tipo de arte:

Arte mayor, escultura y pintura.

-Localización tiempo-espacio:

* Situado en la Colegiata Basílica de Santa María en Manresa, Barcelona.

* Hecho por Pere Serra en 1394.

*Arte gótico, estilo italo-gótico. Escuela de Siena.

-Análisis y caracteres:

En total consta de veintidós tablas con escenas del Antiguo Testamento, de la vida de Jesús y los Hechos de los Apóstoles. Están ordenadas en cinco calles más predela. Como es habitual en otros retablos del gótico catalán, las tablas de la calle central son más grandes, contienen el tema principal y están encabezadas por un Calvario o Crucifixión como coronamiento central. Las cuatro calles laterales contienen tres pisos de tablas con escenas bíblicas coronadas, en el ático al mismo nivel de la escena de la Crucifixión, por una figura de ángel en cada calle. Las entrecalles o montantes, que estructuran el retablo y separan las calles entre sí, están decoradas con un total de treinta y seis pequeñas imágenes de santos y están rematados en su cima por unos pináculos de clara estética gótica en talla de madera dorada.

En la parte baja del cuerpo principal del retablo está la predela formada por una gran tabla central, y dos escenas de santos a cada lado.

Todo el retablo se encuentra rodeado de un guardapolvo sobre un fondo azul y siete escudos heráldicos distribuidos dos en cada lado y tres en la banda superior.

-Técnica:

Pintura al temple sobre tabla, después de que las esculturas se hayan añadido previamente.

-Interpretación:

Narración en torno a la figura del Espíritu Santo y su intercesión en los principales pasajes bíblicos. El relato comienza por la Creación del mundo, la infancia y madurez de Jesús, su Pasión hasta el Ascensión, el Pentecostés —pieza central y de tránsito entre los cuadros de la vida de Jesús— y los relativos a la creación de la Iglesia y el inicio del apostolado cristiano.

-Relación de la obra con su contexto:

Fruto de la ferviente mentalidad religiosa de esta época, el artista quiso plasmar una obra maestra que además sirviera como reliquia de culto, y de paso, incluía el estilo del trecento italiano, gracias a los contactos comerciales entre Cataluña e Italia.

-Antecedentes:

Martirios de San Quirze y su madre Santa Julita (del románico). Por la disposición de las casillas.

-Consecuentes:

Pintores catalanes del siglo XV. Pentecostés de Cardona, una copia de los tipos de Pere Serra.

-Bibliografía:

http://es.wikipedia.org/wiki/Retablo_del_Esp%C3%ADritu_Santo

Libro de texto.

Carlos Arturo Pérez Aguiar  2ºBTO-C 

Francisco Chacón: Quinta Angustia

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